viernes, diciembre 22, 2006

CINE: 8 Femmes (François Ozon, 2002)


Esta es la película más enloquecidamente divertida de François Ozon, gracias a su mezcla de sátira, comedia, musical y misterio. La historia es una parodia de las novelas de Agatha Christie. La acción tiene lugar en un gran salón de una casa de campo y está ambientada en los años '50, justo antes de Navidad. El dueño de la casa aparece asesinado. El resto de los personajes, todas mujeres, todas sospechosas, están atrapadas en la casa, rodeadas de nieve y sin teléfono.

Los personajes responden a los tópicos del género, y todas ellas tienen alguna razón para haber cometido el crimen, a cual más variada: incesto, avaricia, robo, adulterio, lesbianismo...

El reparto es impresionante: Daniele Darrieux, Catherine Deneuve, Fanny Ardant, Isabelle Huppert, Emmanuelle Béart, Virginie Ledoyen, Ludivine Sagnier y Firmine Richard.

El guión, los diálogos, los giros de la trama, las situaciones son delirantes ¿en qué otra película la Deneuve le podría dar un botellazo en la cabeza a Daniele Darrieux? ¿dónde la misma Deneuve podría tirarse de los pelos con Fanny Ardant y luego besarla apasionadamente?

Estéticamente es un homenaje sobre todo a los melodramas de Douglas Sirk, con sus colores en Technicolor, sus vestidos de la época, los decorados, la música melodramática..., pero también al cine de Fassbinder, Almodóvar y Cukor.

Todo es genialmente artificial, incluso las actuaciones, cada actriz es su personaje, pero sin dejar de ser al mismo tiempo la estrella que lo interpreta. Esto sería horroroso en cualquier otra película, pero aquí el hecho de saber quiénes son esas actrices es un elemento más de la diversión.

jueves, diciembre 21, 2006

Cecily Brown

Guys and Dolls
High Society:

Boy Trouble:


CINE: Swimming Pool (François Ozon, 2003)


A Sarah Morton (Charlotte Rampling), una escritora de novelas de misterio en plena crisis de creatividad, su editor le ofrece una casa en la Provenza. Cuando lleva unos días instalada, disfrutando de la soledad, irrumpe en la casa Julie (Ludivine Sagnier), la hija del editor. La escritora, de carácter reservado, arisco y taciturno, reacciona en un primer momento con enfado, pero luego se siente fascinada por la joven, que se pasea medio desnuda por la casa y practica el sexo ruidosamente con desconocidos.

A mí esta película, más que un thriller (que también lo es, hasta tiene giro final), me parece más bien una comedia, que explota de manera divertida la confrontación entre dos personajes bastante tópicos: la solterona inglesa estirada y la nínfula francesa, la reprimida y la liberada sexualmente.

Este aspecto de comedia es el que mejor funciona de la película. Ozon es capaz de crear una cierta tensión al principio, cuando Sarah llega a la casa, pero más que nada porque, me imaginaba que algo tenía que suceder, con una escritora de novelas de misterio de por medio, alguna intriga tenía que aparecer. Pero quien aparece es Julie, que se empieza a pasear en tetas por todas partes y a llamarla "Miss Marple", y la comedia está servida. En cambio, el crimen y el giro final son bastante estúpidos.

Las dos actrices protagonistas están espléndidas, ambas son capaces de crear personajes magnéticos y fascinantes de lo que podrían ser simples caricaturas en otras manos.

miércoles, diciembre 20, 2006

Zeffirelli va a montar una versión erótica de La Traviata con Alagna y Gheorghiu.
"Imagino una versión erótica porque estoy seguro de que fue así como lo pensó Verdi, pero no lo podía hacer como quería en aquella época", dijo Zeffirelli.
El director espera estrenar la nueva versión en abril en un teatro romano.
"Quiero que el erotismo sea palpable. Como puedo disponer de dos cantantes bellos que se aman en la vida real, creo que es una ocasión que no se debe perder", comentó.
Acerca de la famosa huída de Alagna en la representación de Aida, Zeffirelli considera su comportamiento indefendible, y que fue un momento de locura, y "si quiere recuperar su credibilidad en el mundo de la ópera, debe respetar sus contratos. La Traviata puede ser una ocasión formidable".

CINE: 5X2 (François Ozon 2004)


El título resume la película perfectamente. Ozon cuenta la historia de una pareja en cinco escenas, separadas de un modo bastante irónico con una cursi balada en italiano. Lo original es que la narración es a la inversa, empieza con la ruptura y termina con el momento en que se conocieron. Los personajes centrales son Marion (Valeria Bruni-Tedeschi) y Gilles (Stephane Freiss).

Aunque no llegamos a saber demasiado de ellos, a lo largo de la película se descubren datos reveladores de la personalidad de cada uno. Gilles aparece como una persona fría, egoísta e inmadura, incapaz de presentarse en el hospital para el parto de su mujer, que no está preparado para un compromiso serio ni es capaz de ser fiel a su pareja. Marion, que al principio parece tímida y pudorosa, se va descubriendo como una mujer liberal, vital y alegre, a la que, por ejemplo, no le importa irse sola de vacaciones o acostarse con un desconocido en un momento bastante inoportuno.

El resultado es una película brillante e inteligente en la que Ozon critica el matrimonio y la familia heterosexuales. La escena inicial es brutal en este sentido. Después de escuchar la retahíla de condiciones de su divorcio, Marion y Gilles van a un hotel para acostarse una última vez, y él acaba violándola.

La cronología a la inversa produce una sensación extraña porque lo último que vemos es la felicidad del inicio del romance de Marion y Gilles (un poco como pasa con Irresistible, de Gaspar Noe). Sin embargo ya es posible entrever en ese inicio cómo va a terminar esa pareja, porque nace por causa del aburrimiento y la rutina en otras relaciones y del deseo egoísta. Así, la sensación agobiante del inicio no acaba de desaparecer por completo.

martes, diciembre 19, 2006

Turismo Virtual

En esta web podéis visitar virtualmente varias ciudades gallegas. Es una pena que Ourense no esté incluída.
Descubrir Galicia

MÚSICA: Hugo Wolf: Mignon “Kennst du das Land?”

Este poema de Goethe, que aparece en el Wilhelm Meister, interesó a numerosos compositores anteriores a Wolf: Beethoven, Schubert, Schumann y Liszt entre otros, compusieron canciones utilizando el texto original, y en su traducción francesa, es el sostén de la ópera Mignon, en la que se puede escuchar como el aria “Connais-tu le pays?”.

“Kennst du das Land?”, a diferencia de Mignon I, es un poema visionario, la historia relatada por la niña Mignon cuando recuerda su patria italiana después de haber sido trasladada a la fuerza a Alemania por un grupo de indeseables. Después de una vida de abuso y de ser obligada a cantar, bailar y divertir, le cuenta su historia a Wilhelm Meister, ahora su protector. Goethe indica cómo se debía recitar el poema: gravemente, solemnemente, y con el sentido de la importancia que la niña atribuye a su historia. El verso “¿conoces el país?” debía decirse en un tono medio sofocado, mientras que las súplicas de la niña para ir allí debían graduarse desde el ruego a la insistencia emocionada.

Aunque Mignon es una niña, ha experimentado mucho, y la visión de su añorado hogar está hecha con la imaginación y la comprensión de un adulto. Aún más, tal y como aparece el texto al principio del primer capítulo del tercer libro de la novela, es Wilhelm Meister el que vuelve a contar la historia que Mignon le había cantado.

Wolf mantiene intacta la forma estrófica de Goethe, aunque las complejas armonías y las hermosas y evocadoras melodías están muy elaboradas.

El cantante y el pianista deben utilizar un amplio abanico de colores y deben interpretar la música como si estuvieran en trance.

La parte del piano, como la voz, está concebida magníficamente. Los acordes iniciales en el piano, luego en el piano y la voz, son portentosos y tranquilos a través de amplios intervalos. Mignon grita anhelantemente “Dahin”. En la segunda estrofa se aumenta la urgencia, cuando la niña recuerda la morada con pilares de su infancia. La tercera estrofa empieza con un tono oscuro, conjurando las montañas donde las aguas caen por escarpados precipicios. La música se eleva hacia un clímax terrorífico, con acordes en tremolando resonando en el piano mientras el cantante utiliza todo el volumen del registro medio. Un grito final de “Dahin! Dahin!” sale de los labios de Mignon antes de que ruegue sosegadamente “vayamos allí”. Después de haberse dirigido a Wilhelm Meister como “amor” y “protector”, finalmente lo llama “padre”.

Os propongo dos versiones: la de Elisabeth Schwarzkopf acompañada por Geoffrey Parsons en un recital en vivo de 1967 (este es uno de mis discos favoritos) y la de Irmgard Seefried con Erik Werba en una Liederabend en 1957.






Kennst du das Land
Kennst du das Land, wo die Zitronen blühn,
Im dunkeln Laub die Gold-Orangen glühn,
Ein sanfter Wind vom blauen Himmel weht,
Die Myrte still und hoch der Lorbeer steht?
Kennst du es wohl?
Dahin! dahin
Möcht ich mit dir, o mein Geliebter, ziehn.

Kennst du das Haus? Auf Säulen ruht sein Dach.
Es glänzt der Saal, es schimmert das Gemach,
Und Marmorbilder stehn und sehn mich an:
Was hat man dir, du armes Kind, getan?
Kennst du es wohl?
Dahin! dahin
Möcht ich mit dir, o mein Beschützer, ziehn.

Kennst du den Berg und seinen Wolkensteg?
Das Maultier sucht im Nebel seinen Weg;
In Höhlen wohnt der Drachen alte Brut;
Es stürzt der Fels und über ihn die Flut!
Kennst du ihn wohl?
Dahin! dahin
Geht unser Weg! O Vater, laß uns ziehn!


¿Conoces el lugar?
¿Conoces el lugar en el que florecen los limoneros,
donde con un follaje oscuro los naranjos brillan,
y una suave brisasopla en el cielo azul,
y el mirto y el laurel están altos?
¿Lo conoces bien?
¡Es ahí! Ahí
Donde quiero ir contigo, ¡oh amado!

¿Conoces la casa, su tejado sobre hermosas columnas?
Su entrada brilla luminosamente y sus habitaciones resplandecen,
y las figuras de mármol me miran:
¿qué han hecho, o niña desgraciada, contigo?
¿Lo conoces bien?
¡Es ahí! Ahí
donde quiero ir contigo, ¡oh protector!

¿Conoces la montaña envuelta en niebla?
La mula está buscando su camino a través de las nubes,
en las cavernas moran las camadas de los antiguos dragones,
¡las rocas de los precipicios se sumergen bajo la rugiente corriente!
¿Lo conoces bien?
¡Es ahí! ¡Es ahí
donde nos conduce nuestro camino! ¡Oh padre, vayamos!

lunes, diciembre 18, 2006

CINE: Le temps qui reste (François Ozon, 2005)

Le temps qui reste es una película que trata sobre la aceptación de la propia muerte. Romain (Melvil Poupaud) es un joven fotógrafo gay al que le diagnostican un cáncer terminal. Al principio se comporta de una manera muy cruel con todo el mundo, insulta a su hermana, humilla y abandona a su novio, es arrogante y egoísta... Ozon no trata de presentarnos en ningún momento a un personaje agradable. Poco a poco, sobre todo después de la visita a su abuela, Romain empieza a asumir su próxima muerte.

La película tiene una atmósfera muy poética y melancólica, el mejor ejemplo de esto es la escena final en la playa. El problema es que Poupaud es muy poco convincente físicamente como moribundo (la comparación que me viene a la cabeza es Bruno Todeschini, que hace una interpretación impresionante y dolorosísima en Son Frere de Patrice Chéreau), y eso acaba siendo un lastre para la película.

Mis momentos favoritos: la visita del protagonista a su abuela (Jeanne Moreau), la única persona en la que confía y a la que le cuenta que va a morir, se siente cercano a ella porque ambos morirán pronto; y la escena final.

Lo peor, la trama paralela con la camarera (Valeria Bruni-Tedeschi) y su marido, da la impresión de que la única razón para meter esta historia absurda es que a Ozon le apetecía poner una escena de sexo entre los tres.




La escena con Jeanne Moureau



El final de la película

Time Magazine


¡Soy portada de la revista Time!

viernes, diciembre 15, 2006

MÚSICA: Entrevista con Roberto Alagna

El tenor Roberto Alagna protagonizó una espectacular espantada, tras ser abucheado por el público. el pasado domingo en la primera representación tras el estreno (el jueves) de la ópera Aida en la Scala de Milán. El director Ricardo Chailly no paró la orquesta y, sobre la marcha, Alagna fue sustituido por Antonello Palombi, que cantó en vaqueros y camisa y fue ovacionado.

Pregunta. El pasado domingo, abandonó el escenario de la Scala en plena representación de Aida, de Verdi, tras haber sido abucheado. ¿Por qué?

Respuesta. Estaba en estado de shock. Acababa de terminar el aria Celeste Aida, se oyó un bravo que inmediatamente fue sofocado por abucheos. Jamás me habían abucheado. Sentí que el suelo se hundía bajo mis pies. No podía respirar. Me desabroché la coraza de soldado y saludé como tengo por costumbre, a lo Cyrano, con una mano en la frente y estirando luego el brazo. Y me fui. Pensé volver, pero el cantante suplente, Antonello Palombi, entró en escena empujándome sin que la orquesta dejara de sonar un instante.

P. ¿Se trataría, según usted, de una de esas intrigas como las que ya habido en la Scala otras veces?

R. Llevaba un mes sufriendo humillaciones. Todos los días había algo. Alguien que te susurraba al pasar: "¡Qué valor tienes!", o "¿no te da miedo interpretar ese papel después de Carlo Bergonzi?". El ensayo general fue bien, y el estreno, un gran éxito, aunque una persona me abucheó. Al día siguiente, los periódicos italianos titularon: "Triunfo para todos. Abucheos para Alagna". El domingo, cuando llegué al teatro para la segunda representación, tres individuos me estaban esperando en la puerta, y me hicieron un gesto con la mano que significaba: "Te vamos a sacudir". Cuando subí, encontré en mi camerino al tenor que me sustituye calentando la voz. En los pasillos todo el mundo me evitaba. La representación comenzó. Antes incluso de que yo abriera la boca, sonó un abucheo. Canté sin olvidar las críticas publicadas el día antes. Decían que era muy lento, por lo que canté con un ritmo más rápido; que era demasiado romántico, y lo hice de un modo más guerrero; saqué el sí bemol agudo final en fuerte, como querían, aunque en la partitura está escrito piano. Luego pasó lo que pasó.

P. ¿No cree que el hecho de que anunciara su despedida de la Scala al día siguiente del estreno pudo envenenar el ambiente?

R. No he aprendido diplomacia, he aprendido a cantar bien. Me sentía herido y dije lo que pensaba a los periodistas de La Repubblica y de La Stampa. No sé por qué razón un cantante no va a poder responder a lo que escriben sobre él. ¿Sabe? Hay una gran diferencia entre la imagen que el gran público tiene de los cantantes y la realidad. En la cena de personalidades que se celebró tras el estreno, los artistas no estábamos invitados. Los cantantes siempre tienen miedo de ser despedidos por los directores de sala, de orquesta o escénicos.

P. Desde hace un año, tiene problemas de salud. ¿Estaba en forma para enfrentarse a la Scala?

R. No tiene más que oír la retransmisión del estreno por radio,aunque esa tarde tuve una crisis de hipoglucemia. Cuando mi médico llegó al camerino, mi índice de azúcar era de 0,5 gramos en lugar de 1,10, que es lo normal. Pero no podía no continuar. Me quedé hasta el tercer acto para recuperarme. Luego, nadie me hablaba, me había convertido en un apestado. Tras mi hospitalización, a finales de 2005, he pasado un año difícil. Me descubrieron una anomalía metabólica con un índice de plaquetas muy bajo. Pero había remontado la pendiente, canté Aida en Orange y todo iba muy bien.

P. Stéphane Lissner, el director de la Scala, habla ahora de ruptura de contrato y se niega a pensar en la posibilidad de su vuelta a escena.

R. Estaré en Milán hasta la próxima representación. Lissner y yo ya hemos hablado y esto no empañará nuestra amistad. Pero cuando le manifesté mi intención de volver para las próximas representaciones, me respondió: "No puedo". Ése es el castigo. Se dice que me he burlado del público, pero fue él el que me expulsó. Bueno, el público... me han expulsado. No hay ruptura de contrato. Considero que en esas condiciones no podía cantar. Me pregunto si tras todo esto no hay una intriga contra Lissner, que es el que me trajo de vuelta a la Scala, de la que Ricardo Muti me había apartado durante diez años. Quizá a no todo el mundo le guste que sea un francés quien dirija la Scala.

P. Además del hecho de entrar a los 43 años en el panteón de los cantantes abucheados en la Scala. ¿Qué consecuencias puede tener para su carrera?

R. Efectivamente, ha habido precedentes ilustres como Anna Moffo en La Traviata con Karajan; Katia Ricciarelli en Luisa Miller, e incluso Pavarotti, quien siempre ha lamentado haber llegado hasta el final en Don Carlo, que le provocó un rasguño en la voz. Mi gesto puede costarme caro porque el sistema de coproducciones internacionales hace que este mundo sea hoy muy pequeño. También pueden llevarme a juicio. Por no hablar de mi salud, pues no duermo desde ese día.

P. La mediatización de la que son objeto usted y su esposa, la cantante Angela Gheorghiu, los 400.000 ejemplares de su disco sobre Luis Mariano, ¿no le han hecho perder la cabeza?

R. Me gusta mi arte y me siento orgulloso de defenderlo y de hacer que se conozca por el medio que sea. ¿Acaso canto peor por haber hecho un disco con canciones de Mariano? Es ridículo. Respecto a mi esposa, no hemos cantado juntos desde hace tres años. Y con mis hermanos David y Federico sólo he hecho en total tres producciones de ópera. No soy de los que montan en cólera, pero tengo un temperamento sanguíneo debido a mi origen siciliano. Y además, soy un artista, en caso contrario no cantaría como canto.

MÚSICA: Reynaldo Hahn: L’heure exquise


Es una de las canciones del ciclo Chansons grises, compuestas sobre textos de Verlaine cuando Reynaldo Hahn tenía ¡16 años!

El texto se describe un encuentro secreto entre dos amantes en un bosque durante una noche iluminada por la luna.

Hahn crea una atmósfera mágica y misteriosa, una noche ardiente y bella. La canción se abre con un torbellino de arpeggios y luego una melodía extática y brillante sugiere la intensa luz de la luna. Esta pauta se rompe cuando los amantes se encuentran, en “O bien aimé”. La estructura de la canción es estrófica variada, aunque los versos “C’est l’heure” y “C’est l’heure exquise” son distintos cada vez que se repiten.

L’heure exquise (Verlaine)
La lune blanche,
Luit dans les bois
De chaque branche
Part une voix
Sous la ramée.
Ô bien aimée!

L'étang reflète
Profond miroir
La silhouette
Du saule noir
Où le vent pleure
Rêvons, c'est l'heure

Un vaste et tendre
Apaisement
Semble descendre
Du firmament
Que l'astre irise
C'est l'heure exquise

jueves, diciembre 14, 2006

MÚSICA: Il Viaggio a Reims

Rossini: IL VIAGGIO A REIMS

Pesaro, Auditorium Pedrotti, Agosto 1984

Corinna Cecilia Gasdia

La marchesa Melibea Lucia Valentini Terrani

La contessa di Folleville Lella Cuberli

Madama Cortese Katia Ricciarelli

Il cavalier Belfiore Edoardo Gimenez

Il conte di Libenskof Francisco Araiza

Lord Sidney Samuel Ramey

Don Profondo Ruggero Raimondi

Il barone di Trombonok Enzo Dara

Don Alvaro Leo Nucci

Don Prudenzio Giorgio Surjan

Don Luigino Oslavio Di Credico

Maddalena Raquel Pierotti

Delia Antonella Bandelli

Modestina Bernadette Manca di Nissa

Antonio Luigi De Corato

Zefirino Ernesto Gavazzi

Gelsomino William Matteuzzi

Orchestra Chamber Orchestra of Europe

Coro Filarmonico di Praga

Direttore Claudio Abbado

Maestro del coro Lubomir Mátl

Regia Luca Ronconi


http://rapidshare.com/files/7155643/ViaggioReims.avi.001

http://rapidshare.com/files/7155786/ViaggioReims.avi.002

http://rapidshare.com/files/7155873/ViaggioReims.avi.003

http://rapidshare.com/files/7155957/ViaggioReims.avi.004

http://rapidshare.com/files/7156110/ViaggioReims.avi.005

http://rapidshare.com/files/7156199/ViaggioReims.avi.006

http://rapidshare.com/files/7158185/ViaggioReims.avi.007

http://rapidshare.com/files/7158050/ViaggioReims.avi.008

MÚSICA: Continúa el culebrón

Alagna dice que va a demandar a La Scala y se justifica de su espantá diciendo que temió por su integridad física.
Tenor who quit will sue La Scala

MÚSICA: Integral de las mélodies de Debussy

Debussy: Melodies
Dalton Baldwin (piano)
Elly Ameling
Michel Command
Mady Mesplé
Frederica von Stade
Gérard Souzay



http://rapidshare.com/files/7397320/debussy.zip.001
http://rapidshare.com/files/7402559/debussy.zip.002

CINE: Holiday (George Cukor)


Hasta ayer nunca había visto esta maravillosa película, y se ha convertido en una de mis favoritas inmediatamente.

Después de un breve romance, Johnny Case (Cary Grant) se compromete con Julia Seton (Doris Nolan), una de las hijas de un adinerado banquero. Johnny no anda detrás del dinero de la familia de su prometida, ni siquiera de un futuro trabajando con su suegro. Lo que realmente quiere es retirarse joven para poder viajar y encontrarse a sí mismo, en lugar de amontonar dinero y dinero. En este proyecto, la única que le apoyará será la hermana de Julia, Linda (Katherine Hepburn). Nada más aparecer este personaje, nos damos cuenta del error que ha cometido Case. Su alma gemela es Linda, no Julia.

Esta comedia romántica está basada en una obra de Philip Barry, como Historias de Filadelfia. Comparte además con esta otra película guionista, director y pareja protagonista. Mientras Historias de Filadelfia la conoce todo el mundo, ésta otra, inexplicablemente, no. Y digo inexplicablemente porque a mí me ha gustado mucho más.

Por lo de pronto, cuenta con la mejor actuación que yo le haya visto a la Hepburn, que está realmente conmovedora, porque aunque la película sea una comedia, tiene un tono muy melancólico. O más bien tiene un tono agridulce, a diferrencia de Historias de Filadelfia, que es más satírica.

La película huye de los estereotipos de las clases y tampoco se burla de los ricos, como hace por ejemplo la también magnífica Al servicio de las damas. En su lugar, se centra más en las relaciones y los conflictos entre los personajes.

Mis momentos favoritos, el interrogatorio del padre de la novia a Grant y la acrobacia que realizan Grant y Hepburn durante la fiesta de Nochevieja.

miércoles, diciembre 13, 2006

MÚSICA: La Gheorghiu también cancela

Ni que se pusieran de acuerdo. Alagna huye en plena representación de Aida y ahora su mujer cancela un Don Carlo en el Covent Garden. Por lo menos se dio cuenta antes de estar en plena función de que no es un papel para su voz.

MÚSICA: Mozart



El Mozarteum de Salzburgo ha colgado on-line las partituras de la obra completa de Mozart:
http://dme.mozarteum.at/

MÚSICA: Hugo Wolf: Nimmersatte Liebe

Esta es otra de las pequeñas obras maestras de Wolf. El propio compositor estaba orgullosísimo de su creación. Cuando la compuso, le escribió a un amigo diciéndole que estaba “feliz como un rey” y que cuando la escuchase, el diablo le abrazaría con placer. Estaba especialmente satisfecho de la parte final, en la que aparece una especie de canción estudiantil creada por él, con un aire alegre y vertiginoso. Mörike era uno de los poetas favoritos de Hugo Wolf, que devoraba sus obras y componía Lieder con sus textos de una manera casi frenética.

La música de Wolf sigue el texto con un placer entusiasta, con una parte de piano que más que acompañar lo que hace es colaborar con la voz, empujándola y comentándola, subrayándola e imitándola.

La canción empieza con una pequeña cadencia de tres notas en el piano, que se repite como si fuera llamada a escuchar. La voz entra con una frase que después del comienzo desciende y luego desciende aún más, implorante cuando explica que no se puede satisfacer el amor sólo con besos. Comparándolo a una corriente de agua a través de un tamiz, el cantante comenta que uno puede besarse constantemente y aún así no aplacar las demandas del amor.

En la segunda estrofa habla agitadamente de besarse hasta que sus labios estén doloridos. La chica, sin embargo, como un cordero que ve el cuchillo, suplica con sus ojos que continúe “cuánto más duela, mejor”.

La última estrofa empieza con una revisitación de la cadencia del inicio, esta vez para indicar que el amor es así y siempre lo ha sido. Entonces es cuando aparece la “canción estudiantil”. Cuando dice que así ha sido siempre, “incluso para el gran Salomón con toda su sabiduría”, implica que ni la experiencia, ni la inteligencia, son defensas ante las inaplacables demandas del amor. Después del arco grandioso de sonido en la voz y el piano, la voz desciende en altura y en volumen a un tono divertido y confidente. Al final se vuelven a repetir las cadencias del piano.

Nimmersatte Liebe
So ist die Lieb’! So ist die Lieb’!
Mit Küssen nicht zu stillen:
wer ist der Tor und will ein Sieb
mit eitel Wasser füllen?
Und schöpfst du an die tausend Jahr’,
und küssest ewig, ewig gar,
du tust ihr nie zu Willen.

Die Lieb’, die Lieb’ hat alle Stund’
neu wunderlich Gelüsten;
wir bissen uns die Lippen wund,
da wir uns heute küßten.
Das Mädchen hielt in guter Ruh,
wie’s Lämmlein unterm Messer;
ihr Auge bat: “Nur immer zu,
je weher desto besser!”

So ist die Lieb’, und war auch so,
wie lang es Liebe gibt,
und anders war Herr Salomo,
der Weise, nicht verliebt.


Amor insaciable

¡Así es el amor! ¡Así es el amor!
No se apacigua con besos.
¿Quién es el loco que toma un tamiz
y lo llena simplemente con agua?
Puedes verterla durante mil años,
y besar para siempre y siempre,
jamás te traerá satisfacción.

Amor, amor, en cada momento trae
nuevas y extrañas alegrías,
nos mordimos los labios hasta hacer daño
cuando nos estuvimos besando hoy.
La chica se quedó completamente quieta,
como el cordero bajo el cuchillo,
sus ojos decían: “tan sólo sigue,
¡cuánto más duela, mejor!”

El amor es así y siempre ha sido así
desde que el amor ha existido,
y mi señor Salomón no era diferente,
el hombre sabio, en su forma de hacerlo.


Podéis escuchar las versiones de Brigitte Fassbaender y Dietrich Fischer Dieskau

martes, diciembre 12, 2006

ARTE: Jenny Saville

Closed Contact 14

Closed Contact 8



Passage:

CINE: Giulietta degli spiriti (Federico Fellini)


¿Es esta la peor película de Fellini? Por lo menos es la peor de las que yo he visto de este director. Giulietta de los espíritus es inaguantablemente aburrida, artificial, en definitiva, pesadísima.

Giulietta Massina es la Giulietta del título, una mujer de mediana edad a la que su marido engaña. Más que un personaje, Giulietta es una excusa para que Fellini nos bombardee con las imágenes surrealistas y fantásticas de los fantasmas y demás personajes extravagantes que se le aparecen a la protagonista. Muchas de sus fantasías consisten en flashbacks en los que recuerda las infidelidades de su padre y una obra teatral del colegio en la que hacía el papel de mártir.

La película fue la primera que Fellini rodó en color, la fotografía es en un deslumbrante Technicolor. El vestuario es delirante, los sombreros imposibles, los decorados de colores lujuriosos... si la película fuese más corta, todo esto sería una fiesta para la vista, pero como dura más de dos horas, termina cansando.

lunes, diciembre 11, 2006

MÚSICA: Hugo Wolf: Das verlassene Mägdlein

Esta hermosa canción está compuesta sobre un poema de Mörike, sobre una muchacha que cada mañana madruga para encender el fuego de su casa y mientras mira las llamas sueña con su antiguo e infiel amante y desea que el amanecer haga desaparecer esos sueños que la atormentan.

Wolf captura en esta miniatura cada matiz del poema, la tranquilidad del alba, el resplandor de las llamas, la melancolía y transparencia de la parte del piano, la tristeza de la melodía vocal, los ritmos, el cromatismo y el tono desolado... expresan toda la pena de la mujer abandonada por su amante infiel.

Das verlassene Mägdlein

Früh, wann die Hähne krähn,

Eh’ die Sternlein schwinden,

Muss ich am Herde stehn,

Muss Feuer zünden.

Schön ist der Flammen Schein,

Es springen die Funken;

Ich schaue so darein,

In Leid versunken.

Plötzlich, da kommt es mir,

Treuloser Knabe,

Dass ich die Nacht von dir

Geträumet habe.

Thräne auf Thräne dann

Stürzet hernieder;

So kommt der Tag heran –

O ging’ er wieder!


La joven abandonada

Temprano, cuando los gallos cantan,

antes de que las pequeñas estrellas desaparezcan

debo estar en la chimenea

debo encender el fuego.

El brillo de las llamas es hermoso,

las chispas saltanmiro al fuego,

hundida en mi tristeza.

De repente recuerdo

joven infiel,

aquella noche

en que soñé contigo.

Entonces, lágrima tras lágrima

resbala

así es como empieza el día¡

Oh, desearía que terminase de nuevo!

Os propongo dos versiones: una de Elisabeth Schwarzkopf con Geoffrey Parsons (1967) y otra de Elly Ameling con Dalton Baldwin


domingo, diciembre 10, 2006

CINE: Der Himmel über Berlin (Wim Wenders)


El cielo sobre Berlin es una película muy bella, lírica, evocativa, hipnótica. El guión de Wim Wenders y Peter Handke apenas tiene un argumento, dos ángeles Damiel (Bruno Ganz) y Cassiel (Otto Sander) vagan sin ser vistos por la ciudad, son testigos de los pensamientos de los hombres y les prestan su consuelo. Pronto descubrimos que ellos no pueden experimentar en qué consiste ser humano, que aunque pueden verlo todo, no comprenden qué son las emociones, no tienen sentidos, no pueden mancharse los dedos con la tinta del periódico o saborear una taza de café.

La película es un canto de amor a la humanidad, ya que aunque nos muestre las miserias humanas, descubre que la naturaleza humana, por más que la vida esté llena de dolor, es tan valiosa que despierta la envidia de esos ángeles. Es un poema de dos horas, que nos enseña lo bello de lo simple y de lo cotidiano y que el sufrimiento también es hermoso, porque la felicidad reside en estar vivos.

El guión explora diversas formas de divisiones que existen en la sociedad: Cielo-Tierra, Hombre-Mujer, Este-Oeste (aún existía el Muro), sensualidad-espiritualidad, pasado-presente.

La belleza visual de la película es increíble. La fotografía de Henri Alekan es de las más hermosas que he visto nunca. La mirada de los ángeles se nos presenta en blanco y negro; cuando el punto de vista cambia a los hombres, la fotografía es en color. Así Wenders crea una metáfora muy efectiva de la capacidad de los hombres de tener sensaciones casi sin apreciarlo, de la incapacidad de los ángeles de experimentar sensaciones físicas.

La mezcla entre esas imágenes extraordinarias, sonidos evocativos y un tempo pausado, te transporta a un estado casi hipnótico, crea una sensación única, un estado de embriaguez emocional parecido al que provocan la música o la poesía.

sábado, diciembre 09, 2006

MÚSICA: Otra vez Idomeneo

Continúa el culebrón, ahora han perdido las famosas cabezas:

La ópera Idomeneo, de Wolf-gang Amadeus Mozart, en la polémica versión del enfant terrible alemán, el director Hans Neuenfels, sufrió ayer otro golpe tras el escándalo que provocó su suspensión en Berlín en septiembre por temores a un
ataque islamista.
Desaparecieron del almacén de la Deutsche Oper de Berlín, que repondrá la obra el 18 y 29 de diciembre, los cuatro polémicos objetos de atrezo que se usan en el montaje: las cabezas cortadas de Mahoma, Buda, Jesucristo y Poseidón.
Los medios especulan ahora si el coliseo prestó las cabezas, se las robaron o si simplemente acabaron en la basura. Una portavoz de la Deutsche Oper aseguró al semanario Der Spiegel que "no han sido robadas" y que Idomeneo se estrenará el 18 de diciembre tal como estaba previsto. El crítico musical de Die Welt se burlaba ayer: "Esperemos que nadie ande con las cabezas paseando por las calles de Teherán mientras que en Berlín se están fabricando otras nuevas".

viernes, diciembre 08, 2006

MÚSICA: Il barbiere di Siviglia

Il barbiere di Siviglia en versión animada:





CINE: Von Trier ofrece 4.000 euros a quien resuelva un acertijo en su último filme

Desde luego, no se puede negar que el hombre le echa imaginación.

El director de cine danés Lars Von Trier ha prometido ofrecer 30.000 coronas (unos 4.000 euros) y un papel como extra en su próxima película a quien resuelva el acertijo visual que ha incluido en Direktoeren for det hele (Director para todo), su último filme, que se estrena mañana.

El nuevo trabajo del cofundador hace una década del movimiento Dogma ofrece a los espectadores una serie de pistas visuales que, juntas, forman un código que hay que descifrar.

El pasatiempo se llama Lookey, una contracción del inglés Look for the key (Busca la llave), un "juego simple en el que la película actúa a modo de tablero", en palabras del creador de Los idiotas y Rompiendo las olas.

Un lookey es una perturbación visual que nada tiene que ver con el resto de la película y que, para los no iniciados, puede parecer un error. Cada filme con este sistema puede incluir entre cinco y siete lookeys.

Lars Von Trier ha anunciado que pondrá a disposición de cualquier creador cinematográfico el concepto de lookey para que pueda utilizarlo libremente.

jueves, diciembre 07, 2006

MÚSICA: Kozlovsky canta Britten

Para no perdérselo, aunque esté en ruso:

Britten: Serenade for Tenor, Horn, and Strings
Ivan Kozlovsky, tenor
V. Polekh, horn
Orchestra conducted by Gennady Rozhdestvensky

FOTOGRAFÍA: Reve!a

Si os pasáis por Ourense estos días, podéis ver en el parque de San Lázaro una exposición de fotografías muy impactante.

MÚSICA: Aida

Mucho más que grandiosidad, por Riccardo Chailly
Verdi ha llevado a cabo con Aida una renovación, sobre todo en lo referente a la búsqueda de una nueva identidad para el sonido de la orquesta. En Aida, el sonido tiene un color que no volveremos a encontrar, un color muy diferente al de Don Carlos, donde todo es negro.
Incluso en el aspecto vocal considero que en Aida es necesario un canto proclive al intimismo, característica que se refleja a la perfección en una música que conquista acto tras acto una condensación sublime, así como en una ambientación proyectada sin duda alguna hacia una dimensión espiritual. En efecto, no me identifico con una lectura de Aida totalmente grandiosa y externa, aunque la escena del triunfo siga constituyendo una cima dramatúrgica y musical ineludible.

Quisiera alejarme de una tonalidad vocal demasiado externa, y en este sentido Roberto Alagna me parece que representa de forma muy eficaz el Radamés que siempre he imaginado: sensible y maduro, capaz de alternar los momentos heroicos con otros en los que es necesario, en primer lugar, saber recitar. Lo mismo pasa con Violeta Urmana, que al elevar su registro de mezzosoprano y ser capaz de volar sobre los does agudos sin constreñir el sonido, puede dar a la figura de Aida una voz vigorosa, expresiva, y la vez rica de sentimiento.

En la escena del triunfo, Verdi representa con plenitud la exuberancia de la música, no sólo de su música, pero se trata de un momento que no puede condicionar la visión global de la ópera.
En el tercer acto, a partir del arpegio de los violines nos encontramos en otro mundo y desde ese momento hasta el final de la ópera estamos de lleno en otra dimensión. Mahler intuyó esa novedad incluso en sus pliegues más recónditos, apropiándose de una cita para su Das Lied von der Erde.

El público asocia Aida con una imagen y un recuerdo en una dimensión: la de la grandiosidad. En realidad, Aida es una ópera bifronte. El tercer y el cuarto acto tienen un significado diametralmente opuesto: son nocturnos, crepusculares; la música se va reduciendo hasta la muerte, verdadera y aludida. Quisiera que esta dimensión aflorase con más fuerza y se impusiera. Como quería Verdi.

Letter From An Unknown Woman (Max Ophüls)

Carta de una mujer desconocida es un melodrama amargo sobre el tema del amor no correspondido. Lo que hace memorable a esta película, además del refinamiento visual de Ophüls a la hora de contar la historia, es la crítica irónica que hace al género romántico. Constantemente hay una tensión entre lo que vemos en la pantalla y el intento de justificación de la narradora o su intento deliberado de ignorar lo que realmente sucede.

Max Ophüls es el gran maestro de la cámara en movimiento. Sus películas están repletas de complejos y dramáticos movimientos de cámara, además de un magistral uso del encuadre y de la iluminación. La cámara se mueve constantemente, pero siempre lenta y elegantemente, se desliza hacia delante y hacia atrás, de lado a lado, a través de las pequeñas habitaciones del apartamento de Brand, recreándose en unos decorados llenos de detalles.

La película está llena de paralelismos: los decorados, los símbolos, las perspectivas, los ángulos y los movimientos se recrean en varias escenas con una pequeña pero determinante variación. El ejemplo más memorable tiene lugar en las escaleras de la casa donde viven Lisa y Stefan. En una escena, Lisa observa desde el piso superior la llegada de Stefan con una de sus muchas conquistas; en una escena posterior, se conserva el mismo punto de vista, pero sin Lisa, que es esta vez la acompañante de Stefan. Ese simple cambio, de Lisa como testigo a Lisa como objeto, refleja una de las ironías de la película: que en su deseo por Stefan, Lisa se ha convertido en otra de su larga lista de amantes.

Otro elemento de gran importancia en la película es la música. Ophüls va más allá de una utilización convencional de la música, ya que la utiliza para comentar lo que sucede, a veces incluso en contradicción con la narración de Lisa. Una de mis escenas favoritas por el modo en que se utiliza la música es la del “Prater”, que es la escena de la cita romántica de Lisa y Stefan. En lugar de utilizar la típica melodía de violines empalagosos, la música es alegre, infantil y mecánica, con lo que se sugiere la atmósfera del parque de atracciones. La elección es extraña, porque reduce la emoción de la escena. Esto es aún más evidente cuando bailan arrebatados y lo que escuchamos es una cansina y pesada interpretación de un vals. Con esta falta de adecuación entre música e imágenes Ophüls consigue sugerir la diferencia entre las emociones de Lisa y Stefan: si ella piensa en su sueño de amor correspondido, él la ve como una más de sus conquistas.



martes, diciembre 05, 2006


MONTEVERDI. L'Orfeo (DVD)
René Jacobs
Simon Keenlyside
Juanita Lascarro
Graciela Oddone
Martina Dike
Stephen Wallace
Tomas Tómasson
Paul Gérimon
Yann Beuron
Concerto Vocale
Collegium Vocale Gent

MÚSICA: Cecilia Bartoli canta más Haydn

Ahora, la cantata Arianna a Naxos.



CINE: Distant Voices (Terence Davies, 1988)

Distant Voices es la historia de una familia de clase obrera contada de un modo muy original, a través de canciones.

La película es una sucesión de pequeños instantes, de escenas muy breves pero muy significativas, que retratan la complejidad de las relaciones familiares de un modo muy preciso.

Es como un álbum de fotos en el que se salta de un recuerdo a otro sin orden, en el que además las canciones son unas veces el hilo conductor y otras el contrapunto de lo que se está narrando. Así, muchas veces la violencia y la dureza de las imágenes contrasta con la canción alegre que se escucha, y otras veces esas canciones comentan lo que está sucediendo.

Visualmente la película es muy bella. La fotografía es de tonos ocres, acorde con el poco color que hay en las vidas de los personajes, habitan un mundo oscuro, del tono de las fotos viejas. Además, esta idea de álbum fotográfico se refuerza porque los personajes aparecen casi siempre colocados mirando a la cámara, precisamente como si posasen para una foto.

Entre los actores destacan Freda Dowie como la madre, Angela Walsh como la hermana mayor y, sobre todo, Pete Postlethwaite como el padre, que es la figura que domina la historia, incluso después de su muerte.






domingo, diciembre 03, 2006

MÚSICA: Magdalena Kozena canta Bach

Magdalena Kozena canta el aria "Kommt , ihr angefochtnen Sunder " de la cantata BWV 30 de Bach


Salgo de una película aburrida para meterme en otra aún peor, porque eso es la adaptación de El perfume que ha dirigido Tom Tykwer, una película muy aburrida. Y eso que el comienzo es prometedor, pero ahí se queda todo, la mejor secuencia es la del nacimiento del protagonista, con un montaje frenético y muy sugerente de sonidos e imágenes. A partir de ahí, la película se vuelve prosaica y poco original (sobre todo a partir de la salida de París), y Tykwer fracasa por completo en su intento de sugerir el olor de un modo visual.

Me molestaron especialmente un narrador cuyos comentarios resultaban siempre redundantes y la música horrorosa, invasiva, omnipresente e inaguantable, compuesta por el propio director e interpretada nada menos que por la Filarmónica de Berlín (¡qué desperdicio!).

En cuanto a la fidelidad o no de la adaptación, no puedo opinar, porque aunque leí el libro, fue hace bastantes años y no dejó la más mínima huella en mi memoria. Pero eso es lo de menos, porque literatura y cine son dos medios completamente distintos, y por tanto, ya de entrada me parece ridículo cualquier intento de comparación.

Lo más destacable, además de esa secuencia inicial, el trabajo de decorados, maquillaje, vestuario y el actor protagonista Ben Wishaw.

viernes, diciembre 01, 2006

MÚSICA: Hugo Wolf: Im Frühling

Image Hosted by ImageShack.us

Im Frühling es una de las obras maestras de Hugo Wolf, en la que la combinación entre la expresión poética y la música es perfecta. El Lied dura aproximadamente cuatro minutos y medio, es más largo que la mayoría de sus obras. Esta duración obedece al detalle del poema de Mörike y el modo moroso en que se pronuncia.

El poema es uno de los más hermosos de Mörike. El narrador está tumbado en una colina durante un día de primavera, y observa la naturaleza a su alrededor, le pregunta a su amor imaginado dónde vive, para que él pueda vivir con ella. Pero su corazón entiende que ella, como el céfiro, no tiene hogar. ¿Cuándo se calmará su corazón lleno de nostalgia y esperanza? El poeta invoca la nube, el río, el beso dorado del sol. Sus ojos deslumbrados se cierran como para dormir, mientras escucha el zumbido de una abeja. Sus pensamientos divagan, pasando de la felicidad al lamento. En su sueño se forman memorias del pasado, memorias que no se pueden expresar con palabras.

El acompañamiento empieza con una constante modulación desde los primeros compases. La melodía sinuosa y el acompañamiento parecen a menudo estar persiguiendo cada uno su propio curso individual, con esto se refuerzan las profundas ensoñaciones del texto. Pequeños momentos de arrebato hacen que la música se anime esperanzada, mientras en otros, “ihr habt kein Haus” da un bajón, volviendo al tono reflexivo del inicio.

Cuando el cantante habla de sus ojos que se cierran, un pequeño interludio delicado reafirma el efecto de los pacíficos pensamientos divagando como por su propia voluntad. Antes de que termine el interludio, da la impresión de que se vuelve al pensamiento consciente.

La voz entra de nuevo, otra vez centrada en sus deseos insatisfechos, en pensamientos de un “Alte unnennbare Tage!”. La gravedad y la nostalgia con que se subraya esta frase final ha estado presente a lo largo de la canción de un modo subyacente.



Im Frühling (Mörike)

Hier lieg' ich auf dem Frühlingshügel;

die Wolke wird mein Flügel,

ein Vogel fliegt mir voraus.

Ach, sag' mir, all einzige Liebe,

wo du bleibst, daß ich bei dir bliebe!

Doch du und die Lüfte,

ihr habt kein Haus.


Der Sonnenblume gleich steht mein Gemüte offen,

sehnend,

sich dehnend in Lieben und Hoffen.

Frühling, was bist du gewillt?

Wenn werd' ich gestillt?


Die Wolke seh' ich wandeln und den Fluß,

es dringt der Sonne goldner

Kuß mir tief bis in's Geblüt hinein;

die Augen, wunderbar berauschet,

tun, als schliefen sie ein,

nur noch das Ohr dem Ton der Biene lauschet.


Ich denke Diess und denke Das,

ich sehne mich, und weiß nicht recht, nach was:

halb ist es Lust, halb ist es Klage:

mein Herz, o sage,

was webst du für Erinnerung

in golden grünen Zweige Dämmerung?

Alte unnennbare Tage!


En primavera (Mörike)

Aquí me tumbo sobre la colina del verano;

las nubes se convierten en mis alas,

un pájaro vuela sobre mí.

¡Oh dime, mi único amor,

dónde vives, para que pueda morar contigo!

Pero ni tú ni las brisas tenéis un hogar.


Como un girasol mi mente se mantiene abierta,

anhelante,expandiéndosecon amor y esperanza.

Primavera, ¿qué es lo que quieres de mí?

¿Cuándo me detendré?


Veo las nubes moviéndose, y el río;

el beso dorado del solse clava profundamente en mis venas;

mis ojos, maravillosamente encantados,

se cierran como en el sueño,

solo mis oídos todavía captan el zumbido de una abeja.


Pienso en esto y en aquello,

y deseo sin saber demasiado bien por qué:

es mitad un placer, mitad un lamento,

corazón mío, dime,

¿qué memorias estás tejiendo

aquí en la sombra crepuscular de las ramas verdes y doradas?

¡De antiguos e innombrables días!

Elisabeth Schwarzkopf & Wilhelm Furtwängler

LITERATURA: Premio Cervantes 2006

Antonio Gamoneda, Premio Cervantes 2006

Sábado:
El animal que llora, ése estuvo en tu alma antes de ser amarillo;
el animal que lame las heridas blancas,
ése está ciego en la misericordia;
el que duerme en la luz y es miserable,
ése agoniza en el relámpago.

La mujer cuyo corazón es azul y te alimenta sin descanso,
ésa es tu madre dentro de la ira;
la mujer que no olvida y está desnuda en el silencio,
ésa fue música en tus ojos.

Vértigo en la quietud: en los espejos entran sustancias
corporales y arden palomas. Tú dibujas juicios y tempestades
y lamentos.

Así es la luz de la vejez, así
la aparición de las heridas blancas.


* * *

Estoy desnudo ante el agua inmóvil. He dejado mi ropa en el
silencio de las últimas ramas.
Esto era el destino:
llegar al borde y tener miedo de la quietud del agua.



VERANO 1966
Cuando me extiendo junto al mar,
existe el agua y su palpitación
y un cielo azul cuya profundidad
es demasiado grande para mí.

Sentir el mar, su lentitud viviente,
es la magnificencia y el olvido,
pero sentir la vida de los camaradas
en ser el camarada de uno mismo.

El cielo inmóvil tiene su razón, lo sé,
pero la razón que hay en nosotros
existirá aún cuando este cielo
hay sido borrado por el viento y el frío.

Más poemas